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20 películas de ciencia ficción subestimadas que debes ver

by SerieManiaco


En estos días en que todos nuestros medios son fácilmente accesibles, muchas películas no tienen ninguna posibilidad de tener un impacto. Quizás estén perdidos en una avalancha de títulos similares. Quizás nunca obtuvieron el impulso de marketing que necesitaban. Quizás su impulso se redujo al ser despedido en el momento equivocado. En cualquier caso, la mayoría de estas joyas invisibles siguen ahí, acechando en los rincones más oscuros y remotos de los servicios de transmisión o como DVD en algún estante.

Desde que George Méliès publicó «Le Voyage dans la Lune» («Un viaje a la luna») en 1902, la ficción especulativa ha tenido una gran demanda en los cines. Desde «Frankenstein» y «Metropolis» hasta los éxitos de taquilla modernos de varios millones de dólares, es un género con visión de futuro (pero rara vez optimista) que se ha adaptado con el tiempo con la tecnología y los eventos del día. Sin embargo, a medida que esta tecnología mejora, se hacen cada vez más películas de ciencia ficción; hoy en día es más fácil que nunca que una película desaparezca del radar.

Así que aquí hay una selección de películas de ciencia ficción que nunca llegaron a la audiencia que merecían y que han sido olvidadas por error. Algunos han envejecido mejor que otros, pero todos valen la pena. Así que abróchese el cinturón: es hora de ir audazmente donde antes no había suficientes personas.

La tierra silenciosa

Esta fue una película que vi por casualidad en la televisión del Reino Unido a principios de la década de 1990. No obtuve el título la primera vez, así que aunque tenía vívidos recuerdos de una pequeña película de ciencia ficción de Nueva Zelanda inteligente, extraña y excelente, no fue hasta años después, con un lanzamiento de video casero, que la redescubrí. . «The Quiet Earth» es una de esas películas que quiero presentar a la mayor cantidad de gente posible.

El científico Zac Hobson se despierta un día para descubrir que es la única persona del planeta. Todos los demás han desaparecido, las calles, las casas y las tiendas están vacías. Después de pasar un breve período de tiempo haciendo lo que muchos de nosotros presumiblemente haríamos (es decir, beber mucho y husmear), se propone encontrar la causa del incidente que sacudió al planeta lejos de su humanidad molesta y persistente y que él puede ser responsable, y que no está tan solo como cree.

Antes de películas como «28 días después» y con un brote más cerebral que «Soy leyenda» o «El hombre Omega», «La tierra tranquila» es una película relativamente económica y reflexiva que culmina con una toma final impresionante que es ambiguo en cuanto a lo agradable. Encuéntrelo y compruébelo.

Días extraños

Kathryn Bigelow tiene una habilidad impecable para hacer películas excelentes y memorables en cualquier género en el que se involucre, pero su película «Strange Days» es dramática. Por debajo del promedio en taquilla. Es una verdadera lástima porque es una pieza de ciencia ficción profética brillantemente interpretada que está muy por delante de su tiempo.

Ralph Fiennes interpreta al ex policía Lenny Nero (un nombre que podría ser sacado directamente de una novela cyberpunk de William Gibson), ahora comerciante de grabaciones piratas de dispositivos SQUID, dispositivos que registran recuerdos y emociones. Cierto SQUID tiene evidencia de asesinato, y Lenny y su guardaespaldas Mace realizan una búsqueda y descubren accidentalmente una gran conspiración en el corazón de la ciudad.

Es una película deslumbrante que transmite un mundo futuro elaborado y creíble en su 1999 alternativo, no una distopía miserable, sino un paradigma similar al nuestro. Como era de esperar, un actor del calibre de Fienne lleva bien la historia. La tecnología SQUID es inverosímil pero con los pies en la tierra, y los recuerdos reproducidos crean algunas escenas de ego novedosas, perturbadoras y sobresalientes. Para ser una película de dos décadas, «Strange Days» apenas tiene fecha y, en ocasiones, es notablemente progresista, especialmente en relación con las discusiones modernas sobre la violencia policial y la corrupción.

Coloso: el proyecto Forbin

Esencialmente un «War Games» más oscuro, más inteligente y menos de Matthew Brodericky, «Colossus: The Forbin Project» es un thriller tecnológico inteligente. La década de 1970 fue una época interesante: aparecieron los primeros ordenadores personales en las oficinas y había un nerviosismo generalizado por lo que podían hacer y cuáles eran sus límites reales, lo que se reflejaba en los medios de comunicación de la época.

Las inteligencias artificiales podrían ser nuestras amigas («Silent Running»), podrían ser nuestras enemigas («2001: A Space Odyssey») o, en el caso de «Colossus», nuestras figuras paternas que intentan tomar la iniciativa de forma benévola pero amenazante. de nosotros con la aniquilación nuclear si nos salimos de la línea, como un Skynet menos apresurado, por así decirlo.

Colossus es una computadora militar que ha tomado el control de las existencias de misiles nucleares de Estados Unidos. Cuando se activa, detecta otra inteligencia artificial manejada por los soviéticos y el presidente comete el error de dejarlos charlar. Si «The Terminator» hubiera sido lanzado apenas 14 años antes, habría visto el terrible error que sería.

Para una película que trata principalmente de conversaciones tediosas con inteligencias artificiales maliciosas, «Colossus» es un asunto tenso y tenso. La tecnología obsoleta puede haber fechado un poco la película, pero los problemas de sacrificar el control a la mente electrónica son tan importantes hoy como lo eran en la década de 1970.

Condiciones cambiadas

«Altered States», el primer papel de William Hurt en un largometraje, es a la vez un vistazo aterrador al miedo existencial de nuestras vidas insignificantes y sin sentido y una de las campañas antidrogas más grandes jamás filmadas. Dirigida por Ken Russell, más conocido por Woo controversia en lugar de hacer películas de ciencia ficción, Altered States sigue a Hurts Edward Jessup, un científico que realiza experimentos con la privación sensorial para explorar otros estados de conciencia.

Constantemente al borde de un descubrimiento terrible sobre la naturaleza de la humanidad, los experimentos de Jessup se vuelven cada vez más atrevidos y peligrosos al combinar la privación sensorial con narcóticos cada vez más potentes. El frágil estado mental de Jessup, y la humanidad misma, amenaza con colapsar bajo la presión.

Combinando el horror corporal con excelentes efectos prácticos de transformación, «Altered States» es una película que el tiempo parece haber olvidado. Casi una versión cinematográfica de la secuencia de Stargate de «2001» de Kubrick, es un festín visual que muta tanto como historia como en su papel principal. En varios lugares es una película de terror, un thriller de ciencia ficción y un romance; el acto se niega a quedarse quieto. Es este ritmo y energía frenéticos los que llevarán incluso al más cínico de los espectadores a través de algunos de los momentos más extraños, surrealistas y posiblemente ridículos. Es una película que está muy adelantada a su tiempo y merece una nueva audiencia.

Xtro

En 1982 vimos a dos alienígenas muy diferentes aterrizar en la Tierra, los cuales regresaron triunfalmente a sus mundos de origen al final de sus respectivas películas. Uno era un alienígena diminuto y arrugado con una inclinación por las piezas de Reese y extendió un dedo brillante. El otro era un animal reptil deforme con una inclinación por embarazar a las mujeres infelices con una prole que emergería como un hombre adulto. Los caracteres del título en «E.T.» y «Xtro» pueden tener un origen sobrenatural, pero mientras una película es una pieza deliciosa y conmovedora del clásico sentimental Spielberg, la otra es tanto un sueño febril de pesadilla como una película que estuvo brevemente en la lista de prohibiciones durante la película. Video desagradable Una sensación en Gran Bretaña

Tres años después de su secuestro, Sam Philips regresa a casa para encontrarse con su esposa Rachel y su hijo Tony. Rachel se mudó con otra pareja pensando que su esposo la había dejado y pronto se da cuenta del comportamiento inusual de Sam. Cuando Sam se acurruca sobre su hijo, resulta que puede que no sea él quien se fue.

La inclusión de «Xtro» en esta lista es principalmente una curiosidad, ya que la ciencia ficción británica es una rareza relativa. Aún así, algunos efectos especiales realmente espantosos compensan el ritmo y la historia algo extraños de la película. Por lo menos, «Xtro» seguramente te impregnará de algunos recuerdos duraderos.

La chica con todos los dones

Hay momentos ocasionales de sincronicidad en los medios cuando dos propiedades vinculadas temáticamente se desarrollan independientemente una de la otra. Vea, por ejemplo, los artilugios de rascacielos llenos de acción de «Dredd» y «The Raid», los asteroides apocalípticos de «Armageddon» y «Deep Impact» o el malarkey basado en magma de «Volcano» y «Dante’s Peak». En “The Girl with All the Gifts” hay un fuerte paralelismo con el superlativo videojuego “The Last of Us”, que fue lanzado solo tres años antes.

Bajo la premisa de que el hongo Cordyceps dio el salto evolutivo de infectar insectos a mamíferos, «La chica con todos los dones» nos lleva a una oscura distopía en la que la humanidad está librando una batalla perdida contra las pistas infectadas del «hambre». Nuestra historia trata principalmente sobre Melanie, uno de los pocos niños que conservan su inteligencia cuando están infectados, pero aún tienen un apetito insaciable y salvaje. La investigación de su comportamiento es la última esperanza para la supervivencia humana, pero aun así, Mel y un grupo de soldados deben huir de la seguridad de su complejo militar después de un ataque.

Al igual que con «The Last of Us», en la superficie, como otra película de zombies, resulta ser un enfoque inteligente y diferenciado del material, tal vez el autor de «Girl with all the Gifts», Mike Carey, y el gerente de estudio de Naughty Dog, Neil Druckmann. ambos se vieron Documental sobre la naturaleza de David Attenborough.

monstruo

Para muchas películas, el género es casi irrelevante. Por ejemplo, en papel, Groundhog Day es una película de ciencia ficción. En esencia, sin embargo, es una historia de amor y una historia de redención. «Monsters», el debut de larga duración del director Gareth Edwards, quien más tarde escribió la excelente «Rogue One», es esencialmente un drama romántico, aunque con el telón de fondo de una tierra habitada por criaturas alienígenas gigantes.

«Monsters» muestra un tipo muy diferente de invasión extraterrestre, en la que una sonda espacial estrellada seis años antes esparció muestras de vida extraterrestre sobre los Estados Unidos y México. México ahora está acordonado, hogar de monstruosos leviatanes que deambulan por el paisaje. El trabajo de un fotoperiodista es escoltar a la hija de su jefe a través de la zona de cuarentena y de regreso a los Estados Unidos, y vemos a la humanidad perdiendo gradualmente la batalla por el territorio a través de sus ojos.

Hecho milagrosamente con un presupuesto ajustado cuando Edwards creó las imágenes generadas por computadora para la película en su PC de casa, «Monsters» es simplemente asombroso. Los dos personajes principales son carismáticos y su joven romance es creíble. Dicho esto, tuve la suerte de ver esto en su estreno: se suponía que Edwards proporcionaría una publicación de preguntas y respuestas después de la película, pero ese día lo llamaron en el extranjero para una reunión que finalmente culminó en la producción de Godzilla en 2014.

Robot y Frank

Una comedia de amigos con un anciano gruñón y un robot nunca debería haber funcionado, pero la premisa caprichosa se ve reforzada por el talento del veterano actor principal Frank Langella. Frank von Langella interpreta a un viejo ladrón de gatos retirado y sufre la aparición de demencia. Su hijo le compra un asistente robot, y Frank, inicialmente reacio, se convence cuando se da cuenta de que puede utilizar la ingenua máquina como cómplice en su regreso al robo.

Al igual que la película de 1985 de Ron Howard «Cocoon» explora cómo las personas lidian con el envejecimiento con elementos de ciencia ficción, «Robot y Frank» es una mirada irónica y conmovedora sobre lo que significa envejecer y la confusión y frustraciones al lidiar con la senilidad. También hay mucho que aprender sobre la naturaleza de la familia y lo que eso significa para todos nosotros en nuestros años dorados. Con la relación entre el ladrón y su virtuoso pero crédulo compañero mecánico, Robot & Frank es una película realmente divertida, pero su humor está teñido de angustia. Puede que el robot no llore, pero tú podrías muy bien.

Niño turbo

Como atestigua el éxito continuo de «Stranger Things», «The Goldberg» y «Psycho Goreman» en 2020, hay uno mucho el amor por la nostalgia de los 80. «Turbo Kid» se rodó en 2015, pero es un homenaje cariñoso al cine de terror y acción de los 80.

En un año alternativo post-apocalíptico 1997, el actor principal anónimo, conocido solo como «The Kid», lucha contra los poderes tiránicos del déspota Zeus, armado solo con su coraje, sus rodilleras y hombreras, una BMX y sus dos amigos. . Los villanos pueden tener escopetas de acción de bombeo, pero nuestro héroe tiene una bicicleta de acción de bombeo.

Existe una ley no escrita del cine según la cual cualquier película (por mediocre que sea) mejora infinitamente con la presencia del actor Michael Ironside, y Turbo Kid se adhiere a esa regla. Zeus es un villano exagerado que probablemente encontrarás en las películas, y aunque el paisaje de la película es principalmente llanuras desérticas, disfruta masticando cada centímetro.

Esencialmente «Mad Max» con manubrio y una nítida banda sonora de sintetizador de los 80, «Turbo Kid» es una delicia. No hubo escasez de estafas de Mad Max a finales de los 80 y los 90, por lo que es bueno ver que alguien finalmente acertó. También hay una violencia cómica ridículamente exagerada. Con todo, «Turbo Kid» es algo así como un reloj indispensable.

El fin del mundo

«El fin del mundo» siempre ha sido la película más vendida de Edgar Wright y Simon Pegg. «Shaun of the Dead» tiene zombis y abundancia de sangre. «Hot Fuzz» tiene policías y armas. «El fin del mundo» tiene hombres de mediana edad y una crisis de la mediana edad; para colmo con una buena dosis de ciencia ficción, esta combinación siempre sería difícil para un mercado convencional.

Afortunadamente, los miembros recurrentes del reparto Pegg y Nick Frost tienen el poder de estrella suficiente para usar esta gorra nostálgica y que invita a la reflexión de la trilogía Cornetto de Wright. Pegg interpreta a Gary King, un hombre que se niega a crecer, que recluta a sus viejos amigos para completar un recorrido de pub sin terminar de dos décadas antes. Con Pub World’s End como su destino final, los diversos 40 se están dando cuenta de que los residentes de la ciudad rural de Newton Haven pueden no ser exactamente lo que parecen ser.

«The World’s End» puede ser menos divertido que su predecesor, pero para este británico es una mirada nostálgica a la amistad y una mirada irónica a la cultura británica de la bebida. De hecho, el concepto de rastreo de bares puede ser tan extraño para un público determinado como algunos de los, bueno, extraterrestres de la película, pero la película seguramente será un éxito para ese espectador en particular.

El toque de Medusa

Los tonos suaves del actor galés Richard Burton añaden un toque de seriedad a cualquier papel que considere digno de su talento, y su interpretación del escritor John Morlar en «The Medusa Touch» no es una excepción. La película comienza con Morlar siendo llevado a un hospital medio muerto, pero continúa a través de flashbacks y entradas del diario.

Resulta que quienes han estado cerca de Morlar toda su vida, o peor aún, quienes lo insultan, están condenados a accidentes, en su mayoría fatales. Los científicos y médicos concluyen que John tiene fuertes poderes psicoquinéticos y puede seguir causando estragos incluso en su estado comatoso.

«The Medusa Touch» es una obra de cine británico maravillosamente atmosférica con una destacada actuación de Burton. La década de los 70 fue una época obsesionada con los poderes extrasensoriales y psicológicos, pero este es un excelente ejemplo de este motivo exagerado que fue bien implementado.

Hay ciertas películas en las que una determinada escena permanece en la periferia de su subconsciente mucho después de haber visto y olvidado el resto de la película. «El toque de Medusa», en particular, es el culpable de esto, que terminó con una toma que dejó a toda mi casa sin aliento en un programa de televisión en la década de 1980.

El infinito

En «The Endless», Aaron Moorhead y Justin Benson (quien también escribió la película) interpretan a dos hermanos que habían escapado por poco de un culto una década antes. Después de recibir un mensaje de la secta Camp Arcadia, poseída por ovnis, pidiéndoles que regresen, el dúo viaja de regreso para obtener una sensación de aislamiento, pero se ve envuelto en una serie de eventos misteriosos. Las leyes normales de la física y el tiempo no se aplican aquí, y otro escape pondrá a prueba la cordura y el ingenio de ambos hermanos.

Visualmente impactante, «The Endless» es un juego de ciencia ficción inteligente que te recompensa con varias observaciones. El talento de los hombres es obvio: son tan buenos actuando como dirigiendo, y es probablemente ese talento el que Marvel les trajo a la próxima serie «Moon Knight».

«The Endless» es difícil de definir sin entrar mucho en territorio spoiler, pero profundiza en el horror cósmico y lo hace muy bien. Con eso en mente, vale la pena estar atento a la película anterior de Moorhead y Benson, «Resolution», que es una especie de precuela y definitivamente destaca a los dos como talentos para ver.

Vida

Cuando se lanzó en 2017, gran parte de la emoción crítica sobre «Life» se centró en el hecho de que su trama está a menos de un millón de años luz de la de «Alien» de 1979. La comparación no es injusta, pero distrae un poco el hecho de que «Life» es entretenida en sí misma, una película sólida con un elenco excelente que, sin juego de palabras, se dispara en un clip sólido y parte de ella ofrece momentos emocionantes. y un final inolvidable.

Se ha recuperado vida microscópica extraterrestre de Marte y un equipo de astronautas a bordo de la Estación Espacial Internacional tiene la tarea de estudiarla. El apodado amebiano «Calvin» comienza a evolucionar hacia una forma de vida multicelular que evoluciona a una etapa en la que amenaza la existencia misma de todos en la sala.

La «vida» no es perfecta. Ninguno de los personajes es ni la mitad de memorable o tan pulido como el equipo de Nostromo, y es culpable de tener un elenco inteligente que hace cosas estúpidas, pero es refrescante ver una película diseñada como una pieza de entretenimiento independiente. y sin poste de tienda para una franquicia más grande.

Crimen de tiempo

El largometraje debut de Nacho Viaglondo en 2007, «Timecrimes», es un thriller de ciencia ficción inteligente que describiría al escritor y director como un talento para ver; su drama de Kaiju de 2016 «Colossal» es uno de los de esta lista como cualquier otra entrada.

Héctor y su esposa se acaban de mudar a una nueva casa. Héctor está sentado en su jardín mirando el bosque cercano y se sorprende al ver a una mujer desnuda a través de sus binoculares. Mientras la busca, encuentra su cadáver y finalmente se ve atrapado en una complicada secuencia de eventos, perseguido por un maníaco vendado que empuña unas tijeras.

Dado que el título en sí es una especie de spoiler, no es descabellado decirte que se trata de viajes en el tiempo. Si se hace mal, el viaje en el tiempo puede arruinar una película, dejando al público con agujeros en la historia lo suficientemente grandes como para que una TARDIS se eleve. Cuando se hace bien, como Timecrimes, puede crear una narrativa inteligente y convincente que es lo suficientemente ambigua como para no parecer condescendiente, pero que aún tiene un sentido básico. Limitar la acción a un puñado de actores y escenas beneficia a la película y nunca abruma al público. Es una premisa simple frente a un giro cronológico complejo, y está maduro para una nueva edición que atará todos los cabos sueltos.

Semillas de demonio

Basada en la novela del mismo nombre de Dean Koontz, «Demon Seed» habla de otra inteligencia artificial inteligente. causar estragos en la década de 1970. Había muchas cosas así en ese momento, si puedes juzgar la producción cinematográfica de esa época.

El doctor Harris, que vive en una casa automatizada que diseñó, creó Proteus IV, una IA innovadora. Para aprender más sobre la condición humana, la astuta computadora escapa de sus límites y se refugia en la casa de Harris, captura a su ex esposa Susan y construye una variedad de robots notablemente originales como extensiones de sí misma. Una de sus creaciones es un inusual pero flexible one Diseño que consta de formas geométricas triangulares, una especie de antepasado de TARS y CASE en «Interstellar» de Christopher Nolan.

«Demon Seed» es esencialmente una película slasher en la que el asesino es una inteligencia electrónica gigante que no se puede camuflar con una mera máscara de hockey. Julie Christie sobresale en el papel de Susan, un papel que fácilmente podría haber caído en el melodrama. Las escenas en las que intenta escapar recuerdan a «Hardware», otra película de esta lista. Proteus IV es un oponente aterrador; Después de ver Demon Seed, nunca volverá a ver el término «inseminación artificial» de la misma manera.

La ciudad de los niños perdidos

La palabra «autor» está un poco usada en exceso, pero cualquiera que esté familiarizado con las obras de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet puede pensar en un término que describa mejor a los dos directores.

“La ciudad de los niños perdidos” – “La Cité des enfants perdus” en su francés nativo – es tan visualmente impresionante como cualquier otra cosa en esta lista. El científico loco Krank no puede soñar, por lo que su culto a los esbirros cibernéticos ciclópeos secuestra a niños pequeños para robar los suyos. Nuestro héroe (conocido simplemente como «Uno») tiene que irrumpir en el laboratorio de Sick para buscar a su hermano menor. Al igual que con su trabajo anterior «Delicatessen», cada fotograma de «La ciudad de los niños perdidos» está intrincadamente construido y crea un mundo steampunk oscuro y surrealista poblado por tecnología en descomposición y seres excéntricos.

En 1997, Caro y Jeunet volvieron a estar juntos para «Alien: Resurrection» (que también trajo de vuelta al siempre confiable Ron Perlman, el actor detrás de «One»), pero si bien tenían un estilo distintivo y una cierta sensibilidad gala en el cuarto película de la saga Xenomorph, una historia deslucida que dejó caer la óptica. «La ciudad de los niños perdidos» es una historia oscura y de advertencia que cobra una vida exquisita y se completa con una banda sonora maravillosamente atmosférica de Angelo Badalamenti de «Twin Peaks».

2010: el año en que te contactamos

Al igual que el propio Monolith de Arthur C. Clarke, «2001: A Space Odyssey» de 1968 es una fuerza terriblemente formidable. Es una obra de arte cinematográfica deslumbrante y cuidadosamente filmada, cuya trama es tan atrevida que intenta cubrir toda la historia de la humanidad. Es ciencia ficción en su forma más cerebral, y algunos dirían que es tan seco y frío como el espacio mismo. Sin que Kubrick hiciera un bis, cualquier secuela caería inevitablemente en la vasta sombra de su predecesor.

Con ese fin, el «2010» de 1984 se pasa por alto con demasiada frecuencia, pero como una pieza ambiciosa de ciencia ficción reflexiva, merece estar en esa lista. La historia, que se basa en la novela de Arthur C. Clarke «2010: Odyssey Two», tiene lugar, como sugiere el título, nueve años después de los acontecimientos de la primera película. A medida que aumentan rápidamente las tensiones entre Rusia y Estados Unidos, se envía una expedición conjunta al espacio para averiguar qué le sucedió a la desafortunada tripulación del USS Discovery.

Sobre la base de la naturaleza ambigua de gran parte de la primera película, «2010» realmente intenta responder algunas de las preguntas formuladas por «2001» y hace avanzar la narrativa, aunque con mucha menos grandiosidad. Definitivamente es más una película de ciencia ficción estándar que la original, pero aún así vale la pena atrapar esta joya a menudo olvidada.

La tribu de Andrómeda

Antes de que el concepto de un parque temático mortal con dinosaurios reales viniera a la mente del escritor Michael Crichton (una idea que hasta cierto punto ya había abordado en Westworld), el autor estaba ocupado creando novelas sobre medicina y ciencia para escribir dos temas que son cercanos. a su corazón. «The Andromeda Strain» fue la primera película que no se estrenó con seudónimo. Llama a un equipo de científicos de primer nivel para estudiar y curar una infección que ha matado a toda la población de una pequeña ciudad.

La historia salió a la pantalla chica como una miniserie de televisión en 2008, pero esta adaptación fue una pálida imitación de ese clásico de 1971. Reacciones a la película se barajaron en el momento del lanzamiento, probablemente en parte porque el póster promete una premisa muy diferente a la de la película, pero es una pieza de cine tan inteligente, tensa y ajustada como cualquier otra cosa de la misma década.

«The Andromeda Strain» puede ser tan seco como el desierto de Nevada que sirve como sede de los intrépidos científicos, pero aparte de una secuencia de acción redundante en el clímax de la película, destaca por su retrato realista del proceso de investigación. Hay mucho diálogo, está lejos de ser casual y el final puede parecer decepcionante, pero «The Andromeda Strain» viene con las mejores (y más precisas) adaptaciones de la escritura de Crichton.

hardware

El director Richard Stanley no es ajeno a la controversia, ya sean acusaciones de abuso en su contra o por ser despedido brevemente en la problemática producción del vehículo Marlon Brando de 1996 «La Isla del Dr. Moreau». El «Hardware» de la década de 1990, escrito y dirigido por Stanley, también ha sido desprestigiado por razones equivocadas.

«Hardware» tiene lugar en un futuro distópico y sigue a la artista Jill, que está trabajando en su última escultura. Su amiga rescató algunas partes del robot para incluirlas en el proyecto, pero el droide de guerra desactivado resulta ser todo y Jill permanece atrapada en su apartamento en una lucha desesperada por sobrevivir contra el villano metálico. Stanley hace maravillas con el presupuesto ultra bajo, ofrece un futuro atractivo, aunque algo derivado, al estilo cyberpunk, y merece un elogio adicional por elegir a Iggy Pop y Lemmy de Motörhead en los papeles destacados.

La controversia que rodea a la película se relaciona con su historia. Poco después de su lanzamiento, la compañía de producción de «Hardware» fue procesada por Fleetway Comics, el editor del innovador cómic británico «2000 AD». La trama era notablemente similar – bueno, más o menos idéntica – a oninguna de sus historietas, una historia llamada «¡SHOK!» La demanda se estancó y, al igual que James Cameron, fue obligado por ley a agregar al escritor de ciencia ficción Harlan Ellison. los créditos de «The Terminator», «Hardware» ahora le da a «2000 AD» un apodo «Basado en» merecido.

Robot Jox

Las guerras convencionales ya no se librarán en la tierra en el futuro. Anstatt jedoch ein einfaches Spiel mit Stein, Papier und Schere zu verwenden, um territoriale Streitigkeiten beizulegen, kämpfen die Vertreter der Nationen des Planeten in riesigen Robotern gegeneinander. Unser Held Achilles ist ein solcher Pilot, und diese übergroßen Rock ‘Em Sock ‘Em-Roboter werden «Robot Jox» genannt.

Man muss dem Film die Ehre zollen, dass diese von Natur aus dumme Prämisse von seiner Besetzung mit äußerster Aufrichtigkeit gespielt wird, mit einigen wirklich beeindruckenden Stop-Motion-Effekten, die verwendet werden, um die riesigen Mechanoiden der verschiedenen Länder zum Leben zu erwecken. Da es für Filme der damaligen Zeit gesetzlich vorgeschrieben war, den Kalten Krieg durch Metaphern darzustellen (ich schaue dich an, «Rocky IV»), ist Achilles’ Endgame-Boss Alexander, ein pantomimischer Bösewicht mit dickem Akzent aus einem dünn getarnten Sovietunion.

Jeder Plot-Beat hat man in den ersten 15 Minuten erraten, und der Film hat sicherlich keine Schauspielpreise gewonnen, aber «Robot Jox» ist der Inbegriff großen, albernen Spaßes. Regisseur Stuart Gordon (besser bekannt durch seine Arbeit an «Re-Animator» und «From Beyond») hat eindeutig die Zeit seines Lebens, und die Freude ist ansteckend. Nehmen Sie das, «Pacific Rim»!

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