Julio García Espinosa

En ausencia de artes marciales, monstruos gigantes, tiroteos de ballet o contenido descaradamente explotador que cruza fronteras, la idea de ver películas de diferentes países y / o culturas cruza rápidamente la línea del «trabajo» para más personas de las que jamás podrían admitir.

Tales películas tienden a ser dramáticas, si no aparentemente políticas, en sus intentos de investigar sus propias culturas, historias o identidades nacionales a través del cine. Los espejos que sostienen los cineastas suelen estar sucios, sucios o incluso rotos. (Y esa es la intención de un director, antes de la degradación entrópica que tan a menudo afecta físicamente a las impresiones supervivientes a lo largo del tiempo).

Sin embargo, aunque el género se lo ha comido todo (incluida nuestra capacidad de atención y curiosidad cultural), el mayor escritor estadounidense vivo (TM) Martin Scorsese nos recuerda que el arte del cine es más que palomitas de maíz y emociones baratas. A veces, una porción saludable de «vegetales de película» es justo lo que necesita para volver a calibrar el equilibrio de nuestra alma. Y su cohorte de «Movie Brat», George Lucas, está totalmente de acuerdo. (Para obtener más información, consulte el Pixote Sección de este artículo).

Entonces, ¿qué tan emocionado debería ser la tercera entrada en Criterions? Proyecto de cine mundial ¿Serie? Aprovechando el heroico trabajo de recuperación y restauración de la Scorsese Film Foundation, una organización sin fines de lucro dedicada a proteger y preservar la historia del cine (autodescripción propia), Criterion ha seguido una práctica, por muy regular que sea (Volumen uno llegó a finales de 2013, Volumen dos en mayo de 2017 y Volumen tres ahora) para empaquetar media docena de estas películas juntas para una captura conveniente. (Volumen tres es Disponible como parte de Criterions con un 50% de descuento, pero solo hoy, 20 de octubre de 2020.) Esta vez obtenemos:

Lucía (Cuba, Humberto Solás, 1968)

Después del toque de queda (Indonesia, Usmar Ismail, 1954)

Pixote (Brasil, Héctor Babenco, 1981)

Soleil Ô (Mauritania, Med Hondo, 1970)

Dos monjes (México, Juan Bustillo Oro, 1934)

Aguacero (Irán, Bahram Beyzaie, 1972)

Aunque no hay ningún compañero inmerecido entre ellos, al menos a los ojos de este espectador son de ayuda mixta. Que mezclado Siga leyendo mientras se analiza brevemente cada película …

LUCÍA

La epopeya de la Revolución Cubana de 1968 de Humberto Solá es tan expansiva y ambiciosa como repulsiva e incómoda, y abarca no solo la historia sino también los estilos y géneros cinematográficos. Dividido en tres historias separadas en blanco y negro, cada una de las cuales se cuenta con un lenguaje cinematográfico variado. Lucía establece sus conexiones a través del subrayado político, como lo experimentaron tres mujeres sin parentesco, cada una con el apodo del título.

Por supuesto, la perspectiva femenina se queda con el propio Solás, quien escenificó y también escribió la atrevida imagen. Resuma su decisión Lucía como una “imagen de la mujer” (para usar un género del Viejo Hollywood que ya se estaba desviando en ese momento) claramente no está arraigada en ideas de fuerza y ​​colectividad feminista, sino en la vulnerabilidad y la voluntad de las mujeres de hacer sacrificios. Al presentar su difícil situación en medio de la revolución, anunció la revolución con más fuerza.

Desde la puerta Lucía deja claro que este viaje no se verá templado. El primero de los tres segmentos tiene lugar en torno a la Guerra de Independencia de Cuba de 1898, también conocida como la Guerra Hispano-Estadounidense, un conflicto de ocho semanas que resultó no solo en que España abandonara Cuba, sino en otra guerra en otros lugares (la Guerra Filipino-Estadounidense ). Filmado en tonos cada vez más groseros y extremos, el segmento adquiere una calidad que hace girar el estómago cuando una historia supuestamente picante contada entre una reunión de mujeres cuenta la violación accidental y brutal de monjas. Vivimos la historia como un horror abstracto en toda regla con una estridente partitura atonal desde el punto de vista de Lucía (Raquel Revuelta) de 1898.

Los dos segmentos siguientes no se acercan a la tonalidad ofensiva del primero, aunque Solás ha preparado el escenario en consecuencia. La segunda parte con Eslinda Núñez como Lucía de la década de 1930 se desarrolla durante el creciente malestar del régimen de Gerardo Machado. Cuando la popularidad de Machado da paso a la práctica dictatorial, Lucía, como tantas mujeres, se encuentra en medio de ella. Se desarrolla como una película de gánsteres, aunque una que se desarrolla al margen de la vida diaria de nuestra heroína. Intocable-squísimas emboscadas con ametralladoras en lugares públicos abundan mientras mujeres y niños huyen y gritan por sus vidas.

El tercer y último segmento es un drama doméstico comparativamente más ligero que es más o menos contemporáneo cuando se hizo la película. (El año exacto permanece indeterminado en la pantalla, «196_»). Lucía a esta edad es una recién casada inicialmente feliz que rápidamente se entera de que su cónyuge no le otorga a Tomás (Adolfo Llauradó) una situación feliz. A pesar de sus afirmaciones firmes sobre la revolución proletaria de Castet, el tipo es un chovinista enconado. (Un relato que podría leerse como una de las primeras críticas internas al totalitarismo descrito por Castro). Cuando los gobernantes envían a casa a una joven maestra de lectura de rostro fresco para lidiar con el analfabetismo de Lucía, Tomas se duplica, la mantiene en casa y quiere a este chico fuera. Es cuestionable si alguna vez se sintió atraída por el instructor antes de que Tomás se burlara de él, pero él siempre le parece una alternativa viable. Principalmente, sin embargo, el instructor literalmente la instruye a liberarse de su esposo. ¿Lo hará? ¿Puede ella?

Como se muestra aquí en impresionante 1080p, Lucía es un descubrimiento visual particularmente impresionante. Además, puede convertirse en una especie de trabajo de arte para aquellos que no están del todo en su onda. Aún así, es un tríptico histórico, especialmente el primer segmento inquietante y visceralmente desafiante.

Después del CURFEW

En los primeros minutos del Grabber de 1954 de Usmar Ismail Después del toque de queda (Lewat Djam Malam) uno podría preguntar, ¿es eso un film negro? ¿Un thriller? ¿Un piso político? ¿Un drama de posguerra? ¿O un romance atormentado? Todo es en diferentes grados, por supuesto. Una mezcla extraña, aunque incómoda, sin duda.

Iskandar (A.N. Alcaff), quien acaba de ser liberado del servicio de combate activo en las fuerzas armadas de Indonesia, regresa a casa con una familia feliz y una prometida (Netty Herawaty). Hay un trabajo y una vida burguesa perfectamente razonable que simplemente se sienta ahí y lo espera. Pero su psique está torturada por los horrores de la guerra. El estrés postraumático lleva rápidamente a Iskandar por un camino oscuro en busca de antiguos conocidos militares. En lugar de cerrarse, se convierte en un vórtice lento y violento.

Ampliamente considerada como la primera película de Indonesia que combina una visión personal con un mensaje viable. Después del toque de queda resuena como una reliquia viviente de su tiempo y lugar. Atmosférica en blanco y negro, pero no necesariamente atmosférica, la película secuestra a los espectadores en su extraño entorno suburbano y acecha en la calma de la posguerra. No es una inclusión estelar en Criterion WCP3 (no se descartan entradas) aunque es un reloj eficaz que cultiva tensiones universales en sus circunstancias políticas y culturales muy específicas.

PIXOTE

En la autobiografía no autorizada de George Lucas SkywalkingEl escritor Dale Pollock informa que su tema alrededor de 1981 fue financiar el duro debut como director con calificación R de Lawrence Kasdan. Temperatura corporal, por temor a que el hombre detrás de él sea amigable para los niños guerra de estrellas Las series se consideran proveedores de contenido sexual. Cómo han cambiado las cosas desde entonces …

En su breve introducción a la generalmente desgarradora película brasileña Pixote (también de 1981) Martin Scorsese menciona que la restauración de la película – dudo en usar el término «impecable» cuando la película se está revolcando en las realidades sucias de las realidades económicamente deprimidas de su propio mundo (São Paulo alrededor de 1981, a para ser exactos)) a pesar de que es tan bueno, fue posible gracias a la fundación filantrópica George Lucas Family Foundation. (La misma fundación ha financiado varias otras restauraciones de Film Foundation, pero Scorsese lo reconoce particularmente).

Equilibrar la participación clave de Lucas en salvar una película tan violenta y perturbadora como confrontativamente puede ser un desafío Pixote– Su contenido real callejero es tanto más preocupante cuanto que es tanto cometido como agredido por menores de edad. El director Héctor Babenco no escatima y no rehuye las representaciones sencillas de los disturbios de los jóvenes y adolescentes de la juventud olvidada de la película, el Pixote de diez años (el fallecido, muy impresionante no actor Fernando Ramos da Silva) se lleva una buena parte.

En casos de juegos de caja como el Proyecto de cine mundial Ofertas, es bastante justo pensar en una película determinada como una especie de pieza central; el que habría servido al sello tan bien, si no mejor, si hubiera sido lanzado como un CD independiente. Para este conjunto Pixote (también conocido como Pixote: a Lei do Mais Fraco) Es esta película. Aunque muy difícil, Babenco, con sus cajoneras de agua marrón y sangre, su sucio despliegue de edificios autoritarios tipo prisión para niños desplazados y su violencia física y emocional, merece este realismo inquebrantable en cualquier momento, algo que observó en su intento de cerrar un documental sobre para hacer un tema.

El São Paulo de Pixote es una especie de pozo negro nocturno de residuos de la sociedad modificados por la supervivencia. Trabajadores del sexo, traficantes de drogas, fugitivos, disidentes, violadores: marginados de todas las formas, colores y tamaños, aunque casi todos son menores. La mirada que la película mira a todos es cualquier cosa menos ciega, aunque nunca sea sentimental. No obtienes nada más que un golpe muy resonante si puedes superar todo el asunto. Pixote– un frío recordatorio de que los rincones de nuestro mundo son todo menos amigables para los niños … incluso si atrapa y atrapa a dichos niños.

DOS MONJES

Gloriosa en el minimalismo barroco y en la sombra y la luz, pero sobre todo en la sombra, tenemos la película mexicana de 1934 Dos monjes (Dos monjes). El hecho de que la película, en sí misma un humilde triángulo amoroso de tres manos, se haya desviado, es más expresionista que cualquier expresionismo alemán que la precedió una década antes, no es casualidad.

El estudioso del cine Charles Ramírez Berg explica en el largometraje extra de la película que el visionario director de la película, Juan Bustillo Oro, era un cinéfilo obsesivo que intentaba retratar la fisicalidad psicológica de Murnau, Wiene y Lang. (Sin mencionar las adaptaciones de terror estadounidenses de Frankenstein, Drácula y otros que vinieron de Universal en ese momento). Con la ayuda profesional del fotógrafo de vanguardia Agustín Jiménez detrás de la cámara, Oro logra crear un paisaje de ensueño muy especial para una película.

Pero Dos monjes destaca por su atmósfera torcida y su cinematografía onírica en blanco y negro. Narrativa, la película está comprometida con la decisión única de contar completamente su historia central de flashback. dos veces, una vez desde la perspectiva de cada uno de los dos protagonistas masculinos (Juan y Javier, interpretados por Víctor Urruchúa y Carlos Villatoro). Son, por supuesto, todos los héroes de su propia versión, aunque ambos no carecen de verdades en su perspectiva. De hecho, como se mencionó con todas las opciones antes de que Kurosawas existiera Rashomon, estaba el desconcertante y seductor Dos monjes. La película de ochenta y cinco minutos se balancea como una de WCP3Las mayores revelaciones.

SOLEIL Ô

En un momento en el que la ira negra legítima no es nada nuevo, es bueno recordar la historia expansiva del racismo detrás de ella en todas sus pieles deplorables. Institucional, profundamente arraigado, abierto o con puños y fuego, el rechazo del negro africano en los países occidentales es una cosa duradera y terriblemente vergonzosa.

Tanto en la nariz como en abstracto, el cineasta Med Hondo Soleil Ô (Oh sol) trabaja en una especie de tierra de nadie del primer mundo; Un lugar donde la ciudad generalmente trata a los que considera «otros» con una distancia cortés. Para la mayor parte del París de Hondo, la aceptación de los inmigrantes de piel oscura es solo teórica. Nuestro protagonista de África Occidental, trabajador y capaz (Robert Liensol), pasa mucho tiempo rechazando inmediatamente un empleo y luego deambulando por las calles para reflexionar sobre el motivo. Estos monólogos internos narrados son el método de Hondo para desempacar sin ambigüedades la injusticia racista en cuestión:

«Nosotros, antiguos, presentes y futuros colonizados, hemos contribuido significativamente al establecimiento de su capital industrial y económico. ¿No debería ser nuestro derecho el interés en esta capital? Así que, por favor, no diga que le estamos costando caro. Además, la ayuda que nos brinda está dirigida principalmente a mantener sus propios mercados y sus privilegios económicos.«

Antes del final de este intento en blanco y negro valientemente reunido de 1970 (¡mira estos momentos fugaces de la animación!), Nuestro protagonista anónimo plantea mentalmente su valoración del quebrantamiento de París (y por tanto también del mundo occidental): «Están marcados por la civilización occidental. Piensan «blanco».A principios de este verano Los New York Times consideró apropiado dirigir esta carga básica al propio Criterion. Los sets de boxeo seleccionados como este, que dan a directores como Hondo una voz firme, aunque no son injustificados en términos de métricas raciales del desempeño de la empresa, no son motivo de burla. Incluso si no todos Soleil Ô demuestra que es apasionante, que eliminarlo es una insignia de honor y que su audaz descubrimiento de la verdad sigue siendo tremendamente relevante.

LLUVIA

En 1972, Bahram Beyzaies estaba a la vanguardia del «cine revolucionario de Irán». Aguacero (Ragbar;; رگبار ). Beyzaie habla sobre cómo en su entrevista complementaria de 30 minutos grabada recientemente para este lanzamiento Aguacero fue su respuesta a lo que llamó el estado «vulgar» del cine comercial iraní en ese momento. Incluso de todas las películas de ese set Aguacero el Post podría ser convencionalmente agradable. Aunque es un asunto amorosamente dilapidado (la película es sencilla en blanco y negro y está compuesta para parecerse a la imperativa inexactitud del cine de George Romero), la trama cuelga de un triángulo amoroso muy tradicional.

El difunto Parviz Fannizadeh interpreta al nebuloso Jedermann Hekmati, un vendedor de espejos que se convirtió en maestro de escuela y está entusiasmado con la hermosa Atefeh (Parvaneh Massoumi), una joven que ve en la calle. El problema es que Atefeh ya está comprometida con el gran y brutal Rahim (Manuchehr Farid), cuya aparente riqueza es suficiente para permitirle vivir una vida segura, aunque completamente infeliz. No hay forma de que Hekmati pueda competir con Rahim, por supuesto, excepto que no es un idiota acosador seguro de sí mismo con bigote. La dinámica amorosa de la película tiene a veces el matiz de un estudio Fleischer. Popeye Dibujos animados sin espinacas. Con el tiempo, la película también te recordará a la posterior y mucho más australiana. Cocodrilo Dundee no una, sino dos veces.

Aguaceroaunque convencionalmente agradable, no debe descartarse como frívolo. Beyzaie cuenta la historia no como un romance, sino como una especie de comedia melancólica con conciencia social. Entre las costuras abiertas, se puede ver la confianza que el cineasta depositó en cada aspecto de esta primera película. El protagonista Fannizadeh debe mucho por su éxito, ya que describe a su educador forastero solitario como completamente afable en cada paso del camino.

La restauración de esta película es un milagro en sí mismo, ya que es uno de los rescates de Film Foundation con solo la última copia conocida disponible para trabajar. Como resultado, hay subtítulos en inglés de marca que no se pueden desactivar ya que forman parte del elemento original. Sin embargo, este es un precio fácil de pagar. Aguacero maravillosamente relajado. Una angustia y un humor satisfactorios esperan a cualquiera que se aventure en esta zona sórdida de la provincia iraní.

*****

El criterio utiliza el Proyecto de cine mundial Serie como último bastión de su envase de doble formato abandonado hace mucho tiempo. Aunque Volumen uno En medio de esta fase de toda la línea de DVD gemelos y Blu-ray que comparten el mismo paquete de grasa, ambos volúmenes posteriores bajaron mucho después de que zarpó este barco. Afortunadamente para aquellos de nosotros que valoramos la uniformidad en nuestros estantes de medios físicos, estos conjuntos son donde vive la memoria. Y cuando vea cómo el formato de DVD se apodera del mundo mientras que el Blu-ray muy superior nunca encontró el mismo agarre, esta serie puede ser el lugar ideal para sostener la estética de formato dual de Criterion.

Este tercer volumen de Proyecto cinematográfico mundial de Martin Scorsese sirve una refrescante y diversa selección de películas del «Tercer Mundo». Como siempre, el trabajo de Filmstiftung es heroicamente impecable y merece nuestro apoyo. La recopilación de estos conjuntos es sin duda una forma viable de justificar el incansable trabajo de restauración y recuperación. Una ventaja adicional es que estas verduras cinematográficas son una porción mixta especialmente sabrosa y transfronteriza.

Aquí están las bonificaciones y las viñetas de este conjunto de cajas:

• Nuevas transmisiones digitales 4K restauradas de las seis películas monitoreadas por World Cinema Project en colaboración con la Cineteca di Bologna, con bandas sonoras monoaurales sin comprimir en los Blu-rays.

• Nueva introducción a las películas por parte del fundador del World Cinema Project, Martin Scorsese.

• Nuevas entrevistas con Aguacero El director Bahram Beyzaie, el estudioso de cine Charles Ramírez Berg (am Dos monjes) y el periodista J. B. Kristanto (am Después del toque de queda).

• Extractos de una entrevista de 2016 con Pixote El director Héctor Babenco y una entrevista de 2018 con Soleil Ô Director Med Hondo.

• Humberto & «Lucía, “Un documental de 2020 protagonizado por Carlos Barba Salva Lucía Director Humberto Solás y miembros de su elenco y equipo.

• Prólogo de la publicación estadounidense de Pixote, creado por Babenco.

• Nuevas traducciones de subtítulos en inglés.

• MÁS: un folleto con una introducción de Cecilia Cenciarelli, Directora de Investigación y Proyectos Internacionales de la Cineteca di Bologna, y ensayos de los críticos y académicos Dennis Lim, Adrian Jonathan Pasaribu, Stephanie Dennison, Elisa Lozano, Aboubakar Sanogo y Hamid Naficy.