octubre 2021

No hay nada como una buena banda sonora para una película. La combinación de música, danza y empuje narrativo crea algo vivo y animado que, cuando se hace bien, refleja la narración cinematográfica en su forma más pura. A los personajes se les da permiso para expresar sus emociones de maneras que a menudo no pueden: las canciones los liberan de las limitaciones de la conversación cortés y las letras capturan sus verdaderos sentimientos donde el diálogo a menudo se descuida.

Y lo fascinante es que, aunque hay ciertos elementos que asociamos con el número musical filmado, los directores y coreógrafos tienen el potencial de ser infinitamente creativos, y esas secuencias han cambiado a lo largo de las décadas con el desarrollo de los propios musicales cinematográficos. Desde piezas masivas e hiper-estilizadas de las décadas de 1950 y 1960 hasta la coreografía inspirada en el jazz de Bob Fosse y los musicales más naturalistas y reducidos que vendrían después, siempre hay algo nuevo y sorprendente en estas canciones y … números de baile.

Honky Cat – Rocketman

Una película biográfica sobre un ícono de la música siempre será más efectiva si se permite ser un musical real basado en la teatralidad de un personaje como Elton John. En «Rocketman» los números musicales tienen elementos fantásticos que evocan el espíritu del artista en lugar de simplemente hacer una cronología de su vida. Y «Honky Cat» es un gran ejemplo de esta elegante calidad de presentación. Elton (Taron Egerton) ha estado hambriento de afecto toda su vida, y cuando John Reid muestra un interés romántico en él, se enamora perdidamente.

«Honky Cat» describe su relación, con Reid animando a John a abrazar sus lujosos gustos, añadiendo un patrón de exceso que definiría al artista mucho después de que los dos amantes se separaron. Si bien es un acto descarado y alegre, también muestra cuán fácilmente Reid puede aprovecharse de un Elton John demasiado entusiasta, quien siempre ha estado mucho más involucrado en su relación y presagia el giro oscuro de su romance. Pero, sobre todo, es increíblemente pegadizo. ¿Qué más se puede pedir?

Cool Rider – Fat 2

Divulgación completa: Ha habido algunos que han cuestionado la inclusión de «Grease 2» en esta lista. «¿Gordo 2?» preguntaron incrédulos. «¿No es la grasa original?» Pero escuchaste bien. Porque para que conste, pondríamos la interpretación cruzada de Michelle Pfeiffer de «Cool Rider» en contraposición a todo lo que «Grease» tiene para ofrecer. Cuando Michael Carrington (un Maxwell Caulfield muy soñador) está entusiasmado con Stephanie de Pfeiffer, no puede evitar preguntarse qué tipo de chico realmente entusiasma a la muy insatisfecha Pink Lady. ¿La respuesta? Un buen conductor, por supuesto.

Ahora, un jinete genial tiene muchas cualidades deseables, como describe Pfeiffer en su número musical. Pero, con mucho, lo más importante es que no solo tiene que conducir su motocicleta, también tiene que hacerlo bien. Esta revelación cambiará por completo la experiencia de Michael en la escuela secundaria y lo inspirará a convertirse nada menos que en un misterioso conductor de acrobacias. Funciona como una explosión de principios de los 80 de un éxito pop renegado, y construye el ridículo arco de personajes de Michael de manera ordenada para el resto de la película. ¡Un trabajo bien hecho!

Edelweiss – El sonido de la música

Definitivamente hay canciones más conocidas en «The Sound of Music» que «Edelweiss», pero es la que tiene el mayor impacto emocional. Esta canción popular austriaca, corta e inventada, cumple dos funciones principales que son esenciales para la película. Primero, vuelve a conectar al Capitán Von Trapp (Christopher Plummer) con sus hijos y muestra que antes de la muerte de su madre, él era un hombre más amable que estaba más en contacto tanto con la música como con sus propias emociones. En segundo lugar, retrata al capitán como un ferviente patriota que es torturado al ver el Anschluss mientras los nazis anexan Austria.

Esto representa uno de los momentos más fuertes en «El sonido de la música» cuando a la familia se le permitió actuar en un festival de música antes de que el capitán fuera reclutado por la fuerza en la armada del Tercer Reich. En “Edelweiß”, el público canta en el coro, un acto breve y sutil de resistencia contra los nazis.

Dales un espectáculo: Anna y el Apocalipsis

En los últimos diez años ha habido pocas sorpresas tan agradables como «Anna y el Apocalipsis». Después de todo, no todos los días hay musicales de películas originales realmente buenos, y mucho menos musicales de comedia de zombis navideños. Anna (Ella Hunt) está en medio de una crisis existencial en la escuela, recuperándose de un incómodo encuentro romántico con una compañera de clase y tratando de convencer a su padre de que está de acuerdo con la idea de viajar a Australia por un tiempo en lugar de hacerlo. a la universidad después de la graduación. Entonces los zombis invaden, y todo esto parece un poco menos importante que la cuestión de sobrevivir.

«Give Them a Show» alcanza el clímax de «Anna and the Apocalypse» cuando Anna compite contra su tiránico vicedirector, el Sr. Savage (Paul Kaye), quien ha abrazado por completo el caos del apocalipsis zombi. Al comienzo de la película, Anna lucha con la apatía apagando las emociones por completo en lugar de permitirse sentirlas. Pero con «Give Them a Show» se comprometió a realizar un acto revolucionario en medio de la devastación del panorama cinematográfico de terror: no darse por vencida. Puede que no gane ni sobreviva a sus batallas, pero está decidida a luchar contra ellas de todos modos. Es una de las canciones más serias de Anna and the Apocalypse y toca un acorde realmente conmovedor.

Por favor, señor carcelero, llora bebé

En muchos sentidos, la gemela malvada de «Hairspray» (también dirigida por John Waters), «Cry-Baby» es un musical caprichoso y retorcido sobre un romance entre una adinerada «Square» llamada Allison (Amy Locane) y Cry-Baby. Walker (Johnny Depp), un delincuente juvenil local. Su conexión emocional inesperada crea un zumbido con ambos grupos sociales, pero la química entre los dos no se puede negar. Aún así, su relación en ciernes enfrenta algunos obstáculos importantes antes de que pueda ponerse en marcha, sobre todo el hecho de que Cry-Baby fue enviado a prisión.

Por su parte, Allison defiende a su marido con «Por favor, señor carcelero». Ella aparece frente a la prisión, se para en un auto deportivo con un vestido rojo mortal y ruega por la liberación de Cry-Baby. Amy Locane y Johnny Depp venden la pura excitación del número musical, uno que involucra al resto de los prisioneros en una sátira exagerada sobre la película de 1957 de Elvis Presley «Jailhouse Rock».

Turón solitario – siete novias para siete hermanos

Cuando siete hermanos vivan todos juntos en el desierto nevado, separados del resto de la sociedad durante meses, como en «Siete novias para siete hermanos», por supuesto se sentirán un poco solos. Un poco inquieto. «Lonesome Polecat» captura su espíritu melancólico mientras cortan leña en pleno invierno y son muy conscientes de la ausencia de mujeres en sus vidas. Es una melodía lenta y lastimera que se mantiene en perfecto ritmo con su picar y serrar.

Pero el aspecto más impresionante del número musical es el control que los bailarines tienen sobre las armas reales que tienen en sus manos. Cuando uno de los hermanos realiza un solo de ballet con un hacha aparentemente afilada en la mano y la balancea mientras baila con un objetivo real, es difícil no sorprenderse del poder y la gracia de sus movimientos. Es obvio que incluso si este hacha fuera demasiado desafilada para cortar madera real, un movimiento en falso podría causar daños graves. «Lonesome Polecat» es una pieza coreográfica tranquila y reservada que a menudo se ve ensombrecida por el espectáculo de la secuencia de baile de levantamiento del granero.

Las damas que almuerzan – Campamento

Una joven está en el escenario para interpretar el solo de su vida, solo que algo ha salido terriblemente mal. Se supone que debe cantar, pero cada pocos segundos tiene que disculparse brevemente para vomitar, obviamente sufre de una intoxicación alimentaria grave (o intoxicación regular; las intrigas de un campamento de verano de teatro no tienen límites). El Fritzi extrañamente intenso se hace cargo y Anna Kendrick se presenta al mundo.

«Camp» es una película musical independiente sobre estudiantes en un campamento de teatro: niños de teatro que pasan el verano en el bosque no para hacer manualidades o para ser asesinados por Jason, sino para aparecer en producciones apropiadas para su edad de éxitos de Broadway. Aquí Fritzi canta «The Ladies Who Lunch» de la compañía, una canción originalmente cantada por Elaine Stritch enojada que se burla de la vida y el alcoholismo límite de las WASP de clase alta, si eso te da alguna pista, qué extraño es tener 14 años. anciana en el papel. Pero para ser justos, Anna Kendrick hace una comida con eso jugando el humor natural de tener a un niño literal en el escenario rompiendo una copa de cóctel agarrándola con demasiada fuerza y ​​perforando al personaje con una rabia borracha, lo cual es absolutamente inadecuado, pero absolutamente Perfecto.

Hot Patootie – Programa de imágenes de Rocky Horror

¿Qué, no una distorsión del tiempo? Bien, «Time Warp» es quizás una de las canciones más memorables de «Rocky Horror Picture Show», pero en términos de impacto narrativo, no se compara con lo que «Hot Patootie» es capaz de hacer. Debe sorprenderse de lo que puede lograr Meatloaf en solo unos minutos. Un poco más que en la mitad de la película, el personaje de Eddie parece algo dramático mientras conduce su motocicleta a través de la muralla del castillo.

En esta canción, aprendemos sobre su historia con Frank, su romance con Columbia y un montón de historias de fondo que ponen algunas de las dinámicas interpersonales en Chez Frank-N-Furter en un contexto más amplio. En el segundo que aparece, «Rocky Horror Picture Show» obtiene una nueva explosión de energía, con Meat Loaf sonando cada centímetro como un cantante de máquina de discos de los años 50. Es una pena que tenga que terminar tan rápido cuando Frank asesina brutalmente a Eddie y todo con un hacha.

Caer lentamente, una vez

La mayoría de las veces, las películas musicales son conocidas por su exagerado sentido teatral. Ese no es el caso de «Once» de John Carney, que es refrescantemente naturalista y se enfoca en la relación entre dos músicos mientras trabajan en nuevas canciones y eventualmente se enamoran (aunque su romance puede ser infeliz desde el principio). La película trata sobre los dos músicos principales con un talento único, por lo que no hay muchos adornos que resten valor a sus actuaciones. Es un poco como la versión desconectada de MTV de una película musical.

La canción más conocida de «Once» es «Falling Slowly», una balada suavemente romántica que se interpreta con muy poca fanfarria: Markéta se sienta en su piano, junto a su Glen en la guitarra acústica. Pero si bien no es una canción de teatro musical tradicionalmente grandilocuente, se convirtió en un caso atípico, una de las raras piezas de un musical que se reproduce en la radio. Y como logro supremo, fue nombrada mejor canción original en los Premios de la Academia en 2008.

El Tango De Roxanne – Moulin Rouge

Toda la estrategia de «Moulin Rouge» es integrar números musicales modernos en un entorno histórico, en el que la atmósfera anacrónica crea una energía vibrante que solo el director Baz Luhrmann podría dar vida. Y aunque hay algunas selecciones de canciones cuestionables esparcidas a lo largo de la película, «El tango de Roxanne» aprovecha al máximo el resumen al tomar una canción de Police de la década de 1980 sobre enamorarse de una prostituta y darle una calidad operística trágica.

Este es Christian (Ewan McGregor) en su punto más bajo: está completamente de acuerdo con el hecho de que Satine (Nicole Kidman) no tiene más remedio que tener intimidad sexual con el duque (Richard Roxburgh), pero no puede evitar sentirse muy celoso de él. su relación. Sus gritos de lamento sirven de contrapeso al erótico tango del argentino inconsciente (Jacek Koman) y Nini (Caroline O’Connor).

Acertijo del modelo – Sing Street

La pregunta aquí no era realmente si «Sing Street» debería aparecer en esta lista, sino más bien qué canción, porque no hay saltos en toda la banda sonora de John Carney. Al final, «Riddle of the Model» parece una buena elección. Establece a Sing Street como una banda real con potencial (aunque un poco tonta que aún no ha descubierto su estética visual) y crea una oda sorprendentemente pegadiza al pop de los 80 al estilo de Duran Duran. Este es el momento en que pasan de una mentira que Conor (Ferdia Walsh-Peelo) inventó en el acto para llamar la atención de Raphinas (Lucy Boynton) a un grupo musical real.

Y la genialidad de la canción es que es lo suficientemente buena para demostrar que tienen un talento legítimo, pero aún captura los defectos inherentes que uno esperaría de una banda joven e inexperta. Realmente no saben lo que están haciendo: accidentalmente derriban partes de la batería mientras filman, y hay indicios de parcialidad, ya que son muy conscientes de que están tratando de verse bien. Y todo es totalmente encantador.

Hey Big Spender – Dulce caridad

«Hey Big Spender», un tema meticulosamente coreografiado por Bob Fosse para «Sweet Charity», es quizás la única actuación de prostituta menos sexy que alguna vez se dedicó al celuloide. Las mujeres que vemos aquí son prostitutas, y tan pronto como un hombre entra en su casa, van a trabajar. Dice todas las cosas que esperaría llamar su atención (pequeños cumplidos, insinuaciones), pero lo hace con tanta precisión que se siente casi mecánico. Aquí no hay romance; en todo caso, son aburrido.

La coreografía de Fosse ha dado a estas chicas movimientos robóticos que dan a su seducción el aspecto de una máquina bien engrasada. Y en su sexualidad abierta y decidida, esencialmente se han desexualizado a sí mismos. Su danza es depredadora y frenética y se siente más como un ritual de apareamiento que cualquier cosa humana. Entre las contribuciones de Fosse al número y las apariciones salvajes pero algo poco impresionadas de las chicas en la serie, «Hey Big Spender» se ha convertido en la secuencia más memorable de «Sweet Charity».

Lo que sea que Lola quiera, malditos Yankees

El hecho de que «Whatever Lola Wants» sea aproximadamente tres minutos de la incomparable Gwen Verdon haciendo lo suyo es probablemente todo lo que tenemos que decir sobre este número musical. Es una de las mejores secuencias de música de cine porque Verdon tiene una seducción cruda que nunca obtuvo suficiente crédito, y que se puede ver en su totalidad en «Damn Yankees». Un giro en la historia moral tradicional de Fausto, Tab Hunter interpreta a un hombre de mediana edad que hace una prueba de manejo en el cuerpo joven y musculoso de un jugador de béisbol profesional.

Lola, como representante del diablo, hace todo lo posible para llevarlo al trato, porque tan pronto como lo hace oficialmente, intercambia su alma. Y para Lola «todas las paradas» incluye un sensual número de baile en el que no solo consigue su nuevo cuerpo a cambio de su alma, sino también ella Cuerpo. Tu seducción es una clase magistral de control: tus movimientos fluctúan entre giros hiperprecisos y gestos animales salvajes. Y ya sea que esté imitando una conversación telefónica con una voz de muñeca muy tonta o moviéndose con un par de pulsadores de pedal de encaje negro, es imposible apartar la vista de ella.

Tengo vida – cabello

Durante la mayor parte de su tiempo de ejecución, «Hair» actúa como una deconstrucción del musical tradicional de Hollywood. Tiene una canción llamada «Sodomy», que es esencialmente una larga lista de varios actos sexuales para gritar en voz alta. Pero en ninguna parte esto es más evidente que en la secuencia de «I Got Life» en la que el grupo de hippies liderado por el anárquico Berger (Treat Williams) organiza una fiesta para los padres de Sheila (Beverly D’Angelo) de los que Claude Bukowski está enamorado. Por lo general, esperaríamos que una secuencia musical estuviera cuidadosamente coreografiada con movimientos de baile precisos que evocan un sentido de gracia y orden.

Esto a su vez abraza el caos. Berger se sube a la larga mesa del comedor y baila salvajemente sobre ella mientras los invitados parten para sacar los platos de su línea de fuego. Con su entusiasmo por la vida, trae el caos a sus vidas, al igual que sus colegas hippies cambiarían el orden social con sus ideales de contracultura. El suyo es un mundo materialista en el que cada plato y candelero es algo precioso que vale la pena proteger; Simplemente enumerando las partes de su cuerpo, Berger evoca lo contrario, un hombre que solo tiene su propia persona.

Quizás esta vez – cabaret

Todos, levanten una copa por la eterna optimista: Sally Bowles. Liza Minnelli tuvo su gran oportunidad en «Cabaret» y dio vida a Sally, la cantante de cabaret que nunca deja de anhelar la felicidad. La tragedia de Sally es que sus sueños nunca se hacen realidad. No parece que alguna vez se convierta en una gran estrella. Ella siempre estará con alguien que la decepcione. Y, sin embargo, siempre espera lo mejor.

«Quizás esta vez» es tan adorable como, para ser honesto, algo patético. Ella es consciente de que nunca le ha funcionado del todo, ni romántica ni profesionalmente. Su aparición en el Kit Kat Klub se ve interrumpida por escenas de la relación entre Sally y Brian (Michael York) mientras se aferra al breve pero feliz período de luna de miel en el que están satisfechos el uno con el otro. Sally está expuesta y espera, contrariamente a las expectativas, que las cosas cambien para ella: que su novio no la deje solo por esta vez, que se sienta amada, feliz y exitosa. Desafortunadamente, no debería ser así. Pero amamos a Sally porque, a pesar de todo, nunca se vuelve cínica o amargada. Pase lo que pase, ella siempre espera que esta vez sea diferente.

Cell Block Tango – Chicago

Como himno de la ira femenina, «Cell Block Tango» no solo es el mejor número musical de «Chicago», sino probablemente uno de los mejores de todo el teatro musical. Mientras Roxie Hart (Renee Zellweger) espera ser juzgada en una prisión de mujeres por el asesinato de su amante, conoce a las Merry Murderesses, las otras mujeres arrestadas por asesinato. Cada uno realiza una recreación estilizada del crimen que los llevó a la cárcel, cada uno depositando la culpa en otra parte.

«Se lo esperaba», cantan, años de ira, abuso y resentimiento estallan en un momento de feroz venganza. «Fue un asesinato, pero no un crimen». En una sociedad donde las mujeres tenían poco poder en sus relaciones con los hombres, es preocupante que tengan cierto sentido de control, aunque sea fatal. Bellamente iluminado con un telón de fondo de mujeres tras las rejas además del elenco principal, Cell Block Tango es un festín visual, una explosión violenta y definitiva de agencia femenina, salpicado de un sentido del humor irónico.

¿Bailamos? – El rey y yo

Hay una tendencia a ver muchas de las películas musicales de la década de 1950 como demasiado desinfectadas: visualmente hermosas, pero esencialmente sin género. Pero, ¿alguien que crea eso claramente no ha visto «The King & I» y la ardiente tensión sexual entre Yul Brynner y Deborah Kerr en «Shall We Dance»? Serie. Después de que el rey de Siam organizara una exitosa fiesta para que los diplomáticos europeos se presentaran como una monarca sofisticada y progresista, Anna recuerda algunos de los bailes a los que asistió en Inglaterra.

Su conversación conduce a una lección de baile improvisada que los obliga a ambos a reconocer su repentina intimidad. En términos de pura energía lujuriosa, Yul Brynner, deslizando su mano sobre la cintura de Deborah Kerr mientras mantiene contacto visual todo el tiempo, es más o menos el equivalente a una escena de sexo de los años 50 en toda regla. Su baile es exuberante y romántico, sin embargo tenía su precio: Kerr siempre estaba magullada por el borde de su falda y Brynner necesitaba oxígeno entre tomas porque solo tenía un pulmón.

El cielo en tu cabeza – Jesucristo Superstar

Escuchas ese icónico riff de guitarra y sabes que esta no será tu típica historia de gospel. Comenzamos «Jesucristo Superestrella» con Judas (Carl Anderson) solo en el desierto, consternado por el mito en desarrollo sobre Jesús y advirtiéndole que sería increíblemente peligroso continuar en este camino. Comenzar la película de esta manera hace dos cosas: encuentra a Judas ya aislado (física y emocionalmente) de Jesús y los otros apóstoles y deja en claro que él será la figura central en esta narrativa, no solo Jesús como uno podría esperar.

Nos enteramos del conflicto que definirá a «Jesucristo Superestrella» y eventualmente hará que se sepa que Judas traicionó a Jesucristo. Pero lo más importante de todo … «Heaven on Their Minds» es una gran canción de rock, y con razón. Y nadie en el planeta puede hacer justicia a esta canción como Carl Anderson. Tiene una cualidad emocional tan cruda que deja en claro lo difícil que es para Judas criticar a alguien a quien respeta y admira.

Genial – West Side Story

Cuando se trata de grandes canciones de «West Side Story», el banco es bastante profundo. Es probable que el instinto se decante por «América», que tiene una secuencia de baile increíblemente divertida que acompaña a su comentario social (incluso si la versión cinematográfica no tiene dientes en comparación con la producción teatral original). Pero «cool» es una joya subestimada que apenas reprime la ira.

Representa uno de los cambios más significativos cuando el musical se adaptó para la pantalla grande: en lugar de tener «Cool» más cerca del comienzo del programa, lo pospusieron después de la muerte de Riff en una pelea con cuchillos, sumándose a la confusión emocional y abrumadora. angustia los han experimentado jets. Tu instinto es encontrar una salida violenta a tus sentimientos. Pero su nuevo líder, Ice, les advierte: Tienes que mantener el control. La coreografía es alternativamente reservada y explosiva, su movimiento está restringido por la claustrofobia de los techos bajos en su escondite, lo que crea la secuencia de baile visualmente más impactante de «West Side Story».

Make Her Laugh – Cantando bajo la lluvia

En primer lugar, dejemos una cosa fuera del camino: no hay Malo Números musicales en «Cantando bajo la lluvia». Incluso la superlarga y poco relevante «Broadway Melody» tiene a Cyd Charisse como un flapper para entretenerte. Pero lo mejor es, sin duda, el programa individual de Donald O’Connor en Make ‘Em Laugh. Intenta animar a Don (Gene Kelly), quien se siente culpable porque Kathy (Debbie Reynolds) fue despedida de su trabajo por sus payasadas y no pudo encontrarla para hacer las paces.

Lo que sigue no es solo el clímax de la comedia física, sino que también evoca el increíble atletismo de Donald O’Connor. Comenzó en el teatro de vodevil y hace todas las paradas aquí, incluido correr por una pared y hacer una voltereta varias veces. Su actuación es tan exigente físicamente que luego hubo rumores de que O’Connor estuvo postrado en cama durante días después de filmar el número (aunque O’Connor estaba Entrevista a Roger Ebert poco antes del final de su vida.)

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